"Un pour tous, tous pour un"... et "jamais deux sans trois" ! Après les sorties et les succès en 2023 de Les Trois Mousquetaires : D'Artagnan et Les Trois Mousquetaires : Milady (3,3 millions et 2,5 de millions de spectateurs en France), l'univers des nouvelles adaptations des oeuvres d'Alexandre Dumas s'est étendu en 2024 avec Le Comte de Monte-Cristo. Et ce nouveau film ambitieux de cape et d'épée, porté par Pierre Niney dans le rôle d'Edmond Dantès et en salles depuis le 28 juin, s'annonce aussi comme un succès.
En effet Dimitri Rassam, producteur des trois films, interrogé par France Info ce dimanche 30 juin, a déclaré au sujet de la sortie au cinéma de Le Comte de Monte-Cristo a déjà réalisé "plus de 300 000 entrées en deux jours". Une performance qui rend Dimitri Rassam et les équipes du film "très heureux".
Un nouveau film Les Trois Mousquetaires
Ce n'est pas vraiment une surprise, parce que la fin de Les Trois Mousquetaires : Milady ne concluait pas l'histoire de la terrible Milady de Winter et des fameux mousquetaires. En effet, la fin du film était largement ouverte et suggérait fortement que leur histoire commune et leurs vengeances allaient se poursuivre.
Dans cette même interview, Dimitri Rassam a ainsi confirmé qu'un troisième volet des Trois Mousquetaires était bien en préparation, déclarant : "on y travaille". Sans trop rentrer dans les détails, le producteur a indiqué trouver le roman Vingt ans après, paru en 1845 et suite de Les Trois Mousquetaires, "extraordinaire". Dans celui-ci, on en découvre beaucoup plus sur Raoul, le fils d'Athos (Vincent Cassel) et sur Mordaunt, celui de Milady (Eva Green). Logiquement, ce roman devrait être la base de ce nouveau film, que Dimitri Rassam espère sortir "à l'horizon 2027".
Et si Warner Bros. Pictures et Legendary avaient décidé d'accélérer le planning ? Alors que Dune 2, sorti le 28 février 2024 dans les salles françaises, a fini son exploitation avec 711 millions de dollars rapportés dans le monde, avec des critiques et des spectateurs ravis du spectacle, il se pourrait bien que Denis Villeneuve soit rappelé plus tôt que prévu pour clore sa trilogie avec Dune 3.
En effet, Warner Bros. Pictures a programmé pour décembre 2026 un film dont le titre est gardé secret, mais qui est sous-titré "un film évenement de Denis Villeneuve". S'agirait-il donc de Dune 3, ou alors de l'autre projet que Denis Villeneuve développe avec Legendary, Nuclear War : A Scenario ?
Le réalisateur québecois avait en effet indiqué vouloir faire une pause vis-à-vis de la saga Dune et réaliser un autre film avant de passer au troisième opus, l'adaptation du roman Le Messie de Dune de Frank Herbert. Dans la mesure où les films Dune comme le projet Nuclear War : A Scenario sont développés par les studios Legendary Pictures, la date de décembre 2026 concerne donc soit Dune 3, soit ce nouveau projet.
Dune 3 sous tension
Si, à la manière de Christopher Nolan avec Oppenheimer, Denis Villeneuve faisait un pas de côté et s'écartait un temps de la super-production qu'est un film Dune, le projet Nuclear War : A Scenario serait sans doute d'un calibre inférieur en termes de budget, d'attentes, et vraisemblablement de casting. En d'autres termes, et ce pourquoi Denis Villeneuve voulait s'accorder cette séquence avant de se mettre à la production de Dune 3, un film avec a priori beaucoup moins de pression pour lui.
À l'inverse, au regard de Dune 3 et particulièrement de son casting composé de "A-Listers"très demandés (Timothée Chalamet, Zendaya, Léa Seydoux, Florence Pugh ou encore Anya Taylor-Joy), la pression est immense. Une pression issue du public, qui attend une conclusion en apothéose, mais aussi des studios eux-mêmes, pour qui Dune 3 est une priorité et doit être rigoureusement planifiée pour pouvoir disposer de tous les talents requis.
Ainsi, et si on n'en est encore qu'à des pronostics, cette date de sortie fixée au décembre 2026 a plus de chances d'être le créneau réservé à Dune 3 qu'à Nuclear War : A Scenario...
Deadpool & Wolverine est annoncée comme une grande fête du cinéma de super-héros, forcément décalée et déjantée puisque menée par l'inimitable Wade Wilson/Deadpool (Ryan Reynolds). Mais ce nouveau film, s'il fait la part belle aux blagues et à l'ironie, se montre néanmoins très sérieux dans son ambition et va offrir, notamment à Wolverine (Hugh Jackman), le retour d'au moins un de ses ennemis cultes : Dents-de-sabre (Sabretooth en VO).
En effet, dans un nouveau teaser tout juste dévoilé (vidéo en tête d'article) - on ne compte plus les images et vidéos promotionnelles de Deadpool & Wolverine -, on peut découvrir une séquence où Wolverine se prépare à l'affrontement contre Dents-de-sabre. Ce dernier, interprété ici par Tyler Mane, est déjà apparu deux fois dans des films X-Men. Dans le premier sorti en 2000 sous les traits de Tyler Mane, puis dans X-Men Origins : Wolverine en 2009, incarné par Liev Schreiber.
Deadpool & Wolverine calibré pour tout casser
Cette nouvelle addition au menu de Deadpool & Wolverine confirme que le réalisateur Shawn Levy et Ryan Reynolds ont bien pensé aux fans de l'univers Marvel et particulièrement à ceux de Wolverine. En effet, celui-ci comme Victor Creedaka Dents-de-sabre ont tous les deux été les cobayes du projet Arme X et se connaissent très bien. Si Wolverine fait tout pour contenir ses pulsions meurtrières, Dents-de-sabre lui s'y laisse totalement aller.
Selon les projections de The Quorum, le film de Shawn Levy viserait une performance pour son premier week-end dans les salles nord-américaines aux alentours des 200-240 millions de dollars de recettes au box-office. Une performance très élevée, qui si elle se réalisait en ferait le meilleur lancement de l'histoire pour un film R-rated.
Deadpool & Wolverine est attendu en France le 24 juillet 2024.
In a Violent Nature est un film d'horreur canadien, qu'on peut ranger dans la catégorie du slasher expérimental. Remarqué lorsque sa bande-annonce a été mise en ligne, il propose un concept perturbant : mettre en scène un massacre d'adolescents dans une forêt, mais essentiellement du point de vue du tueur, avec une caméra le plus souvent en perspective à la troisième personne.
Ce tueur est Johnny, un esprit vengeur qui se réveille lorsque des adolescents dérobe un médaillon mystique qui est lié à son âme. Johnny, ramené à la vie, devient alors une sorte de zombie tueur, muet et assoiffé de sang. Sorti au cinéma aux États-Unis le 31 mai 2024, avant d'y être disponible en streaming à partir du 27 juin, In a Violent Nature n'a pas eu beaucoup de temps pour performer au box-office nord-américain, ce qu'il a tout de même fait avec succès en rapportant 4,2 millions de dollars de recettes.
Très violent, le film réalisé par Chris Nash ne se distingue pas particulièrement par son recours au gore et à l'hémoglobine, mais par sa mise en scène minimaliste, son absence de bande originale et son usage de très longs plans statiques, avec une inspiration assumée du cinéma de Gus Van Sant. De nombreux spectateurs ont ainsi considéré qu'In a Violent Nature était un slasher unique en son genre, s'appuyant bien plus sur son ambiance que sur ses événements.
Un grand succès critique aux Étatst-Unis
Au-delà de sa performance commerciale, qui devra être réévaluée quand le film sera distribué au cinéma sur d'autres territoires, c'est surtout sa réception critique qui est exceptionnelle. En effet, In a Violent Nature reçoit des critiques élogieuses partout où il a été vu.
Sur Rotten Tomatoes, son Tomatometer s'élève à 81% pour 137 critiques. Ainsi, pour le New York Times, "S'inspirant de Terrence Malick et d'autres, Nash a tenté un ambitieux mélange de film d'art et d'essai et de slasher dont la fin, tirée par les cheveux, polarisera, même si sa logique morose l'emporte."
On peut notamment retenir les mots de David Fear pour Rolling Stone, qui fait une référence amusante au cinéma européen :
Imaginez que les frères Dardenne se soient défoncés une nuit avec du haschisch de première qualité et qu'ils aient réalisé un film d'horreur.
Du côté de Variety, In a Violent nature est chaleureusement accueilli et son approche unique du genre du slasher est célébré :
Son approche dépouillée d'un sujet familier a un caractère distinctif impressionnant, et plaira certainement aux fans qui sont toujours prêts à découvrir un nouveau film d'horreur, mais qui aimeraient que la plupart d'entre eux ne soient pas aussi interchangeables.
Pour Slate, le film de Chris Nash "réinvente le slasher" et Rich Juzwiak conclut : "Comme un coup de hache sur le crâne, "In a Violent Nature" est brutal et ne se cherche pas d'excuses. Ô combien rafraîchissant."
In a Violent Nature n'a pour le moment pas de date de sortie au cinéma ou de diffusion en streaming en France. Mais au vu de sa réception exceptionnelle aux États-Unis et au Canada, il devrait prochainement arriver sur nos écrans.
Voici une performance qui va renflouer les caisses de Disney et soulager les studios Pixar, qui n'avaient plus connu un tel succès depuis longtemps. Sorti le 14 juin aux États-Unis et le 19 juin en France, Vice-Versa 2 a dépassé le jeudi 28 juin la performance de Vice-Versa (2015), qui avait encaissé 858,8 millions de dollars au terme de son exploitation. Et avec pour le moment un box-office mondial s'élevant à 863,1 millions,ce nouveau long-métrage est donc déjà un immense succès.
Comme le note Deadline, cette performance du nouveau film d'animation de Pixar est d'autant plus remarquable qu'il n'est pas distribué en Russie, et ne le sera au Japon qu'en août. Ces deux territoires avaient rapporté environ 50 millions de dollars sur Vice-Versa. C'est dire combien le succès est important et fulgurant.
Selon les projections, Vice-Versa 2 devrait ainsi passer la barre du milliard de dollars de recettes ce week-end.
Vice-Versa 2 plus fort que Les Indestructibles 2 ?
À ce jour, le nouveau film est à la 6e position des plus grand succès de Pixar au box-office, derrière Le Monde de Nemo. Sur sa solide lancée, il va vite le dépasser et vraisemblablement dépasser aussi sa suite, Le Monde de Dory (1,02 milliard de dollars de recettes mondiales). Avec, en ligne de mire, Toy Story 3 et Toy Story 4, et le plus grand succès Pixar, Les Indestructibles 2. Celui-ci, sorti en 2018, avait rapporté 1,24 milliard de dollars au box-office mondial.
Vice-Versa 2 peut-il dépasser Les Indestructibles 2 ? Si l'on compare leurs performances sur le territoire nord-américain, au bout de 14 jours, leur comportement au box-office est semblable, avec respectivement 400 millions et 407 millions de dollars encaissés. Il va donc falloir attendre quelques jours pour voir si Vice-Versa 2 infléchit sa progression, ou si au contraire il va confirmer son succès pour devenir le plus grand succès de Pixar de tous les temps.
Dans tous les cas, Vice-Versa 2 est déjà un des plus grands succès de la filiale d'animation de Disney, et signe son retour au premier plan après des années très creuses.
Quel dommage... Voici des premières images qui, en même temps qu'elles témoignent de la bonne intention de Mel Gibson pour son retour derrière la caméra et font bien rire devant un certain choix cosmétique concernant Mark Wahlberg, risquent fort d'annuler toute curiosité quant à Vol à haut risque.
Ce thriller d'action réalisé par Mel Gibson, avec Mark Wahlberg, Michelle Dockery et le trop rare Topher Grace au casting, se dévoile en effet dans une bande-annonce (vidéo en tête d'article) qui montre exactement ce qu'il va se passer dans le film, dans un montage chronologique, et souligne bien tout ce qui aurait dû nous surprendre devant l'écran de cinéma.
L'US Marshals Madelyn Harris (Michelle Dockery) est chargée d'escorter Winston (Topher Grace), criminel et informateur, jusqu'à New York pour qu'il y témoigne contre un parrain de la mafia. Ils voyagent à bord d'un petit avion volant notamment au dessus de l'Alaska. Elle est méfiante envers le pilote de l'appareil, Daryl Booth (Mark Wahlberg), qui ne semble pas être celui qu'il prétend être...
Mark Wahlberg en perd ses cheveux
C'est d'autant plus dommage, à regarder Mark Wahlberg se révéler dans cette bande-annonce et se battre dans le petit habitacle de l'avion où se déroule l'action, que l'idée est à l'origine intéressante. En 2020, le scénario de Vol à haut risque faisait en effet partie de la "Black List", liste qui recense les meilleurs scénarios en attente d'acquisition par les studios. Son potentiel dramatique et cinématographique apparaissait évident, avec un huis clos mortel et aérien prometteur. En 2023, l'annonce que Mel Gibson réaliserait le film avec Mark Wahlberg en tête d'affiche faisait naître l'espoir que le réalisateur de Braveheart et Tu ne tueras point nous surprenne pour le meilleur.
Las, avoir vu la bande-annonce fait naître la sensation amère d'avoir déjà tout vu le film, et qu'à quelques détails négligeables après on en sait déjà la fin... Reste alors la performance a priori très investie de Mark Wahlberg, jamais aussi bon que quand il joue les salopards antipathiques, et surtout son apparence dans Vol à haut risque, avec une coiffure pour le moins spectaculaire.
Plus le temps passe, et plus la filmographie de Paul Verhoeven gagne en prestige. Le réalisateur néerlandais, réputé pour son style provocateur et le traitement sulfureux de thématiques récurrentes comme la violence, la sexualité et la religion, a en effet un rapport à la critique compliquée. Plusieurs de ses films ont, à leur sortie dans les salles, généré une réception négatives, virulente et parfois violente, avant que cell-ci n'évolue au fil du temps. Trois films consécutifs en témoignent : Basic Instinct, Showgirls et Starship Troopers. Et tout particulièrement Showgirls, sorti en 1995.
Une ravissante jeune fille au look sexy, Nomi, se rend à Las Vegas afin de devenir danseuse. Ses débuts fulgurants dans une boîte de strip-tease lui ouvrent la porte des grands shows, la plongeant dans un monde cruel et sans pitié où ambition et jalousie sont les règles du jeu...
Détesté à sa sortie...
Lors de sa sortie, Showgirls est jugé vulgaire, outrancier, et complaisant avec l'univers qu'il explore. L'ambiguïté morale qu'utilise toujours à fond Paul Verhoeven jette un trouble déplaisant. Satire contemporaine d'avant-garde ou film vide, exhibitionniste et voyeur ? Aux États-Unis comme ailleurs, la critique prend parti pour la seconde option. Todd McCarthy écrivait ainsi pour Variety :
La seule chose positive qu'il y a à dire à propos de "Showgirls" est que sa sensibilité correspond parfaitement à celle du milieu qu'il décrit. Incroyablement obscène et grossier.
Le film de Paul Verhoeven fait l'unanimité contre lui, et il obtient entre autres aux Razzie Awards de 1996, où il est nommé treize fois, les prix du "pire film", "pire réalisateur", "pire scénario", pire actrice". En France, Le Monde jugeait ainsi lors de la sortie de Showgirls que "le vide, même avec la conscience de la vacuité, reste le vide."
Paul Verhoeven, habitué à diviser la critique, racontait en 2016 aux Inrockuptibles que la violence de la réception l'avait néanmoins étonné.
Les critiques n’étaient pas seulement négatives. C’était une flambée d’agressivité et de haine. On en parlait comme du plus mauvais film jamais montré. Beaucoup étaient choqués par la nudité, trouvaient la façon de l’exhiber indécente, obscène. (...) Évidemment, je savais que le film était féroce, dérangeant, antipathique. Je ne peux pas dire que j’étais entièrement surpris. Mais la violence des réactions a dépassé toutes mes attentes.
Et adoré 20 ans plus tard
Critiqué et méprisé, Showgirls est un échec commercial en salles, avec des recettes mondiales inférieures (38 millions de dollars) à son budget de production (45). L'année suivante, la sortie elle aussi controversée de Starship Troopers consacre Paul Verhoeven comme cinéaste le plus clivant du moment en même temps qu'elle envoie Showgirls dans l'oubli collectif. Victime collatérale de cet échec : l'actrice principale du film Elizabeth Berkley, à qui l'industrie tourne le dos.
Mais 21 ans plus tard, en 2016, quand Showgirls ressort au cinéma et alors que Paul Verhoeven présente cette même année son très grand thriller Elle, les critiques actent la fin d'un virage progressif à 180°. Autrefois détesté, le film qui a tué la carrière américaine de Paul Verhoeven est ainsi revu et acclamé, ayant passé avec le temps du statut de navet à celui de géniale satire politique d'Hollywood.
Jean-Marc Rauger revient ainsi pour Première ses mots de 1995 écrits dans Le Monde.
Oui, Verhoeven dépeint le vide de Las Vegas, et j'avais le sentiment qu’il n'y avait que du vide à l’écran. Or, le film n'est pas vide du tout… (...) Ce n'est que justice. Quand on regarde les grands films de l'histoire du cinéma, on voit que très peu ont été compris en leur temps. L’art est toujours en avance.
Pour ses 20 ans, Vanity Fair avait de son côté consacré un long article de réhabilitation à Showgirls, considéré comme un "classique" culte des années 90 aux côtés de Leaving Las Vegas et Casino.
SupraCell : de quoi parle la nouvelle série Netflix ?
Après le carton de la saison 4 de The Boys sur Prime Video, c'est une nouvelle série super-héroïque qui vient de débarquer sur Netflix : SupraCell. Cette série dramatique en six épisodes créée par Rapman suit un groupe de personnes ordinaires du sud de Londres qui découvrent qu'elles possèdent des super-pouvoirs.
L'intrigue raconte l'histoire de cinq Londoniens noirs qui développent soudainement des super-pouvoirs sans lien apparent entre eux, à l'exception de leur origine commune. Le protagoniste principal, Michael Lasaki (interprété par Tosin Cole), est un livreur vivant une vie tranquille avec une maison et une voiture de rêve, prêt à se marier avec sa petite amie Dionne (jouée par Adelayo Adedayo).
Cependant, son monde bascule lorsqu'il voyage accidentellement dans le futur et découvre un destin tragique pour Dionne. Michael doit alors rassembler d'autres personnes dotées de super-pouvoirs pour tenter de changer ce sombre avenir. Ces personnages doivent naviguer à travers leurs nouvelles capacités tout en affrontant des défis personnels et sociaux. Parmi le casting, on retrouve également Adelayo Adedayo, Eddie Marsan et Yasmin Monet Prince.
Déjà dans le Top 10 sur Netflix France
Disponible sur Netflix France et dans le monde depuis ce 27 juin, SupraCell s'est déjà frayée un chemin dans les séries les plus visionnées de la plateforme. Ainsi, elle est, à l'heure où nous écrivons ces lignes, à la deuxième place du Top 10 de Netflix France. Elle s'est même offert le luxe de passer devant la saison 3 de La Chronique des Bridgerton.
Contrairement aux séries de super-héros traditionnelles, les personnages de Supracell ne se précipitent pas pour enfiler des costumes et sauver le monde, mais utilisent leurs pouvoirs pour améliorer leur propre vie et celle de leurs proches.
Rapman a exprimé son désir de montrer des personnages avec lesquels le public peut réellement s'identifier, en déclarant : « Si j'avais des pouvoirs, ma première pensée ne serait pas d'acheter un costume en spandex. Je penserais à comment utiliser mes pouvoirs pour mettre ma famille dans une meilleure position » (Den of Geek, 2024).
Rapman est le premier créateur noir à écrire et diriger sa propre série pour Netflix UK. L'équipe de production a également utilisé une technologie de caméra innovante pour mettre en valeur les peaux noires de manière optimale.
Quiconque a joué aux jeux vidéo de Rockstar Games Red Dead Redemption, ou même seulement regardé leurs images, peut témoigner de la qualité exceptionnelle et de l'ambition "filmique" de ces créations. Ce qui vaut aussi pour la franchise la plus culte de Rockstar, Grand Theft Auto. Sur les plans visuel, sonore, scénaristique et ludique, Red Dead Redemption II et GTA V ont établi de nouveaux standards d'élite. Un niveau de production inaccessible à la quasi-entièreté de leur concurrence étant donné les temps très longs et les budgets faramineux de développement.
Véritable série-phénomène depuis son 2e opus en 2010, la licence Red Dead Redemption, à l'image de GTA, a évidemment intéressé les studios de cinéma. Ceux-là y ont logiquement vu matière à produire des adaptations pour le grand et le petit écran. Mais rien n'a jamais été développé.
Dan Houser explique pourquoi Rockstar a toujours refusé
Dan Houser, co-fondateur et ancien président de Rockstar Games, scénariste principal et producteur de la série GTA et de Red Dead Redemption II, a récemment accordé une interview, fait rare. Dans celle-ci, il évoque ses nouveaux projets depuis son départ de Rockstar en 2020, et explique pourquoi il a toujours, avec son frère Sam Houser, refusé les propositions d'adaptation.
(Les studios) pensaient qu'on serait aveuglés par les projecteurs, mais ce n'était pas le cas. On avait ce qu'on considérait être des franchises de plusieurs milliards de dollars, mais les projections économiques n'avaient aucun sens. Courir ce risque n'avait aucun sens. À l'époque, l'avis général était que les jeux vidéo faisaient des films de mauvaise qualité. Aujourd'hui ,c'est différent.
Dan Houser explique avoir rencontré beaucoup de monde et étudié de multiples propositions. Et que lorsqu'il demandait pourquoi il accepterait de faire une adaptation, la réponse "parce que vous avez l'occasion de réaliser un film" ne lui convenait pas.
Non, ce que vous proposez, c'est "vous" qui faites un film et nous qui n'avons aucun contrôle et qui prenons un énorme risque qu'on finira par payer avec quelque chose qui nous appartient.
Des propositions pas à la hauteur ?
Dan Houser envisageait ainsi les choses de manière pragmatique. Considérant qu'avec des licences vidéo-ludiques si puissantes et profitables, admirées dans le monde entier, le risque était trop important dans une industrie du cinéma qui ne réussissait alors pas à produire de bonnes adaptations.
Sur un plan artistique, on peut noter qu'il est aussi particulièrement risqué de tenter d'adapter Red Dead Redemption ou GTA, qui avec leurs mondes ouverts, leurs scénarios ainsi que leurs personnages extrêmement riches et aboutis, proposent une expérience artistique totale qu'aucune production dérivée ne saurait égaler.
Le Comte de Monte-Cristo version 2024 est au cinéma
C'est le jour tant attendu pour les fans de littérature et de cinéma : Le Comte de Monte-Cristo sort aujourd'hui dans les salles de cinéma en France. Réalisé par Alexandre de La Patellière et Matthieu Delaporte, ce film ambitieux met en vedette Pierre Niney dans le rôle principal d'Edmond Dantès, un jeune marin injustement emprisonné qui se transforme en comte pour se venger de ceux qui l'ont trahi.
Adapté du célèbre roman d'Alexandre Dumas, ce film suit Edmond Dantès, accusé à tort de trahison par ses rivaux et emprisonné au Château d'If. Après quatorze ans de captivité, il découvre un trésor caché grâce à l'abbé Faria, son compagnon de cellule. Devenu immensément riche, il revient sous l'identité du comte de Monte-Cristo pour orchestrer une vengeance implacable contre ceux qui l'ont trahi. Le film met également en vedette Anaïs Demoustier, Laurent Lafitte, Anamaria Vartolomei et Bastien Bouillon dans des rôles clés.
Une préparation physique intense pour Pierre Niney
Pour incarner Edmond Dantès dans Le Comte de Monte-Cristo, Pierre Niney a dû s'engager dans une préparation physique particulièrement intense. Le rôle, extrêmement exigeant, a nécessité une transformation corporelle significative et une grande endurance physique.
Comme il l'a déclaré dans le dossier de presse du film, Pierre Niney a commencé par un entraînement rigoureux qui a duré plusieurs mois. Il a passé "environ 150 heures sur une chaise" pour le maquillage, une étape cruciale pour les nombreuses transformations physiques qu'exigeait le rôle. Il a mentionné que la moindre séance de transformation physique pouvait durer jusqu'à huit heures.
Pour garantir la crédibilité des scènes d'action, Niney a dû se coordonner étroitement avec les cascadeurs et l'équipe de tournage. Notamment pour les scènes de combat et de lutte, où il devait assurer des performances organiques et fluides. Cette préparation impliquait non seulement des exercices physiques intenses, mais aussi une précision dans les mouvements pour éviter tout accident sur le plateau. Il a également pris des cours d'équitation pour être crédible à cheval.
L'une des scènes les plus éprouvantes pour le comédien a été celle de l'évasion de la prison, où il a dû simuler une noyade tout en étant enfermé dans un sac lesté de 15 kg. Cette scène a été décrite comme l'une des plus flippantes et exigeantes du film. L'acteur a même failli se noyer lors d'une prise, car il n'arrivait pas à se dégager de son sac. Pour les séquences d'apnée, il s'est entraîné longuement avec le champion du monde Stéphane Mifsud, qui l'a aidé à maîtriser sa respiration. Pierre Niney s'est découvert une passion pour cette discipline, et l'a pratiquée en dehors du tournage.
Lors du tournage du film Le Comte de Monte-Cristo, Pierre Niney avait partagé des images du tournage sur son compte Instagram :
Ces dernières semaines, le requin a été au centre de toutes les discussions des cinéphiles, grâce à l'immense succès du film Netflix Sous la Seine, qui a éveillé la curiosité des abonnés du monde entier. Et pour rester dans le thème, on vous propose de découvrir un autre film de genre mettant en scène des dangereux squales dans les profondeurs, le bien nommé 47 Meters Down. Mis en scène par Johannes Roberts, ce long-métrage sorti en 2017 (directement en VOD) est à déconseiller aux claustrophobes, ou aux phobiques des profondeurs.
Le film met en vedette Mandy Moore et Claire Holt dans les rôles principaux de Lisa et Kate, deux sœurs en vacances au Mexique qui décident de faire une plongée en cage pour observer les requins :
Ce qui commence comme une excursion excitante se transforme rapidement en cauchemar lorsque le câble retenant la cage se rompt, envoyant les deux femmes au fond de l'océan, à 47 mètres de profondeur. Coincées dans la cage, avec une réserve limitée d'oxygène et des requins affamés rôdant autour d'elles, Lisa et Kate doivent trouver un moyen de remonter à la surface avant que leur temps ne soit écoulé.
Une fin cauchemardesque (SPOILERS)
La fin de 47 Meters Down est particulièrement mémorable en raison de son twist inattendu. Après plusieurs tentatives désespérées pour communiquer avec le bateau de surface et trouver une sortie, Lisa parvient à libérer la cage et à remonter lentement vers la surface avec Kate.
En chemin, Lisa subit des hallucinations dues à la narcose à l'azote, un état causé par la forte pression sous-marine et le manque d'oxygène. Lorsqu'elles atteignent enfin la surface, elles sont secourues et ramenées en sécurité. Cependant, le film révèle que cette scène de sauvetage était en réalité une hallucination de Lisa. En vérité, elle est toujours au fond de l'océan, gravement blessée et en manque critique d'oxygène.
Le véritable sauvetage se produit finalement lorsque l'équipe de secours arrive et ramène Lisa à la surface, alors que Kate n'a pas survécu.
Il a débuté en 1974 à la télévision dans la série How to Survive a Marriage et au cinéma en 1978 dans Le Roi des gitans. Et au bout donc de 50 ans de carrière sur les écrans, Eric Roberts, acteur et frère de Julia Roberts, ne compte pas prendre sa retraite. Pour donner un exemple de combien il est obsédé par son métier d'acteur et loin d'y mettre un terme, il a établi un record en 2023 en étant crédité dans pas moins de 65 productions. Il devrait battre ce record en 2024, avec à ce jour déjà plus de 60 crédits selon IMDB.
Cette boulimie de projets a débuté une fois sa popularité définitivement acquise après Runaway Train, film pour lequel il est nommé au Golden Globe et à l'Oscar du Meilleur acteur dans un second rôle en 1986. Il tourne alors plusieurs films et productions télévisées par année, et c'est au milieu des années 2000 que sa présence sur les écrans prend des proportions gargantuesques. Dans les années 2010 et 2020, ce sont alors des dizaines d'apparitions différentes chaque année. Longs-métrages et courts-métrages de cinéma, films d'étudiants, clips... Eric Roberts est partout.
Un ratio quantité/qualité compliqué
Le chiffrage donne le vertige et, avec 821 crédits d'acteur à ce jour, Eric Roberts est donc l'acteur de langue anglaise le plus crédité de l'histoire (exception faite des acteurs "voix" et évidemment de celles et ceux travaillant dans le cinéma pornographique).
Plus le temps passe et plus sa filmographie s'allonge, plus les films notables d'Eric Roberts se raréfient. Il y a eu les films de sa révélation comme Le Roi des gitans et Runaway Train, des incursions chez de prestigieux cinéastes avec notamment The Dark Knight, Inherent Viceet Babylon, un rôle chez Quentin Dupieux dans Wrong Cops... Et, évidemment, à côté de ça, un gigantesque volume de séries B anecdotiques et de DTV qui rayent les rétines. Fait notable : il n'a tourné que dans une seule production avec sa superstar de soeur Julia Roberts, en 1989 dans le western La Voie du sang.
Ce que je me dis, c'est que je suis l'un des hommes les plus chanceux d'Hollywood. Chaque jour, nous recevons entre huit et trente offres provenant du monde entier. C'est tellement amusant de recevoir toutes ces offres et d'avoir la possibilité de jouer un éventail aussi large de personnages.
Dracula Untold, réalisé par Gary Shore et sorti en 2014, est un film d'action-fantastique qui revisite l'origine du célèbre vampire, Dracula. Le film met en vedette Luke Evans dans le rôle principal de Vlad III, prince de Valachie, qui se transforme en vampire pour protéger son peuple des envahisseurs ottomans. Ce choix le conduit à devenir le légendaire Comte Dracula.
L'histoire commence avec Vlad Tepes, également connu sous le nom de Vlad l'Empaleur, un guerrier redouté et respecté. Alors que son royaume est menacé par l'Empire ottoman, Vlad cherche désespérément un moyen de sauver sa famille et son peuple. Il finit par conclure un pacte avec une ancienne force sombre, acceptant de devenir un vampire pour acquérir les pouvoirs nécessaires pour repousser les envahisseurs.
C'est la première fois que Dracula est montré à la manière d'un super-héros. Ce qui n'a pas plu à tout le monde. Le film devait lancer l'univers partagé de monstres d'Universal Pictures, connu sous le nom de "Dark Universe". Mais en raison des mauvais retours, le projet a été mis en suspens, et il a été annoncé ensuite que Dracula Untold ne serait pas canon au Dark Universe.
Au box-office, le film a néanmoins été un succès, rapportant trois fois son budget de production (217 millions de dollars de recettes, pour 70 millions de budget).
Un succès inattendu sur Netflix dans le monde
Dix ans après sa sortie en salles, Dracula Untold connaît une résurgence inattendue de popularité sur Netflix. En effet, le film est devenu un succès mondial sur la plateforme de streaming après son ajout récent. Dans de nombreux autres pays, le long-métrage s'est hissé dans le top des films les plus regardés, démontrant que le public trouve un nouvel intérêt pour cette version moderne de la légende de Dracula.
Netflix : Top 10 monde du 26/06/2024
En France, Dracula Untold est également disponible sur Netflix.
En juillet 2019, Kevin Feige a annoncé qu’un nouveau film Les 4 Fantastiquesétait en préparation chez Marvel. La Maison des Idées a ensuite officiellement confirmé le lancement du projet en décembre 2020. Après un long-métrage sorti en 2005 et sa suite deux ans plus tard, puis un reboot dévoilé en 2015, une nouvelle version de l’histoire des quatre personnages transformés en super-héros après avoir été exposés à des rayons cosmiques va donc voir le jour.
De nouvelles informations sur le film arrivent régulièrement. On sait ainsi déjà qu’après avoir déjà travaillé sur la série WandaVision pour Marvel, Matt Shakman réalisera le nouveau Les 4 Fantastiques. Concernant le casting principal du long-métrage, Pedro Pascal incarnera Mr Fantastique, Vanessa Kirby Jane Storm, Joseph Quinn Johnny Storm et Ebon Moss-Bachrach la Chose. Après l’annonce de ce casting, Kevin Feige a donné d’autres informations sur le film.
Un film séparé de ceux appartenant au MCU
Kevin Feige était récemment l’invité de The Official Marvel Podcast, et il a fait des révélations sur le nouveau Les 4 Fantastiques. Il a confirmé la rumeur qui courait selon laquelle le film se déroulerait dans les années 60 à New York. Toutefois, il ne s’agira pas « du New York qui existait dans les années 60 dans notre monde. »
Le boss du Marvel Cinematic Universe a ainsi teasé le fait que l’intrigue du long-métrage ne se déroulerait justement pas dans la chronologie principale du MCU. Et qu’elle prendrait même sans doute place dans un univers différent. Les 4 Fantastiques s’annonce donc comme un film à part par rapport à ce que nous propose la Maison des Idées depuis de nombreuses années.
Début du tournage dans quelques semaines
Kevin Feige a aussi confirmé que le début du tournage du film était proche. Ainsi, Les 4 Fantastiques commencera ses prises de vues à la fin du mois de juillet. Le long-métrage est donc dans les temps pour débarquer dans les salles à sa date de sortie annoncée. Celle-ci est fixée au 23 juillet 2025 en France.
Star Wars : l'épisode 5 de The Acolyte restera dans les mémoires
Si les quatre premiers épisodes de Star Wars The Acolyte avaient été plutôt efficaces, ils n'avaient néanmoins pas marqué les esprits plus que cela. Pas de moment réellement marquant, si ce n'est la mort de Carrie Anne-Moss dès la première scène. Un choix qui n'a pas vraiment eu d'impact émotionnel puisqu'on découvrait à peine son personnage, mais qui a eu le don d'étonner (voire d'agacer) étant donné la notoriété de la comédienne. Pour autant, on restait loin du choc de l'épisode 5. Un épisode marqué par des révélations sur l'identité de l'antagoniste de la série, et par la mort de plusieurs personnages principaux qu'on commençait à fortement apprécier.
Leurs interprètes n'ont pas tardé à réagir suite à la diffusion de l'épisode sur Disney+. Ces derniers savaient très bien ce qui les attendait, mais ils ont dû garder le secret pendant de nombreux moins. Ils ont donc enfin pu donner leur point de vue sur les choix de la créatrice Leslye Headland dans une interview d'EW.
"J'aime qu'elle tue des gens"
Pour Dafne Keen, qui joue la Jedi Jecki, il n'y pas vraiment eu de surprise puisque Leslye Headland lui aurait annoncé la couleur d'emblée en lui disant "Tu vas jouer une extraterrestre et tu meurs assez vite". Mais la comédienne n'a pas été déçue du destin de son personnage. Au contraire, cette grande fan de Star Wars a estimé que l'audace de la créatrice était un plus, et permettait au spectateur de s'impliquer davantage.
J'aime vraiment le fait que (Leslye HEadland) tue des gens. Parce que s'il n'y pas de réel danger, quels sont les enjeux ? Comment se sentir concerné par l'histoire ? Leslye nous fait aimer ces personnages pour mieux les massacrer comme des cochons.
Dafne Keen met également en avant le fait que ce massacre de l'épisode 5 de The Acolyte permet de faire de l'antagoniste un véritable méchant (ce qui, d'après nous, a souvent fait défaut dans les séries Star Wars). Qimir, qui s'est donc avéré être un Sith, est "puissant et effrayant" justement parce qu'il se montre impitoyable et qu'il est capable de tuer des personnages appréciés par le public. Chose qui arriverait trop rarement dans certaines sagas d'après l'interprète de Jecki.
Dans les grandes sagas à succès, des réalisateurs ont peur de tuer leurs personnages. Ou alors, ils font en sorte de leur redonner vie, et trouve des astuces de scénaristes pour les garder en vie...
Charlie Barnett ne voulait pas voir la mort de Dafne Keen
Reste que la violence de l'épisode 5 de Star Wars The Acolyte est surprenante étant donné qu'il s'agit d'une production de Disney+. Si on se penche sur les précédentes séries de la plateforme, il faut bien avouer que tout avait été fait pour rester grand public. Leslye Headlan a donc voulu changer cela et a pu imposer son idée en rappelant, qu'avant elle, le public avait déjà vu Anakin éliminer tous les jeunes Padawans.
Pour autant, même si Dafne Keen et Charlie Barnett (Yord) ont accepté leur sort et en plaisantaient ensemble sur le tournage, cela a tout de même été un moment difficile à vivre au moment de filmer les scènes. Du moins pour Charlie Barnett, qui refusa d'assister à la mort de Jecki.
Ils m'ont demandé si je voulais assister à la mort de Dafne, et j'ai répondu : "Non, vous vous foutez de moi ? Je l'adore. Je ne veux pas la voir mourir quatre fois. C'est juste viscéral et beaucoup trop triste. Non, je n'ai pas besoin de tout ça".
Un Seigneur Sith dérangeant
Il n'y a pas que ces deux victimes qui se sont exprimées, mais aussi leur assassin, incarné à l'écran par Manny Jacinto. Ce dernier, qui s'est entraîné quatre mois pour tourner les combats de l'épisode 5, a dû garder le secret sur l'identité du Sith pendant longtemps. Dès lors, il s'est retrouvé naturellement dans la peau de ce personnage qui cache la vérité.
C'est un personnage tellement discret, auquel personne ne prête attention, et tout d'un coup, c'est lui qui tire les ficelles.
L'acteur est ensuite allé plus en détails sur la caractérisation de son personnage, aux antipodes d'un Dark Vador, et a également confirmé que Qimir était bel et bien un Seigneur Sith.
Nous voulions un personnage dérangeant, qui ne soit pas un genre de Dark Vador qui domine l'écran, mais qui dégage de l'étrangeté. C'est ce malaise que ressentent les gens en voyant ce Seigneur Sith.
Enfin, Manny Jacinto a donné un début d'explication sur la dernière phrase que prononce Qimir à la fin de l'épisode 5 de Star Wars The Acolyte. Une phrase mystérieuse ("Même dans la révélation de notre triomphe, nous voyons la profondeur de notre désespoir") qui doit ouvrir vers le troisième acte de la série.
Nous entrons dans un territoire complètement différent. C'est un monde différent que nous allons vous présenter. Pas seulement une nouvelle histoire, mais de nouvelles motivations pour tous les personnages.
La suite de Star Wars The Acolyte sera à découvrir le 3 juillet, date de diffusion de l'épisode 6 sur Disney+.
Au jeu des adaptations pour le cinéma de franchises de jeux vidéo, force est de constater que le box-office et le public sont souvent perdants. Combien y a-t-il d'odieux ratés (coucou Paul W. S. Anderson) pour un Silent Hill ? Combien de catastrophes financières pour un Super Mario Bros., le film (1,36 milliard de dollars de recettes) ?
Malgré les turbulences permanentes que traverse ce genre d'adaptations, l'échec d'un film, voire de plusieurs, ne remet cependant pas en question l'attractivité des nouveaux projets. Ce pourquoi l'annonce de la date de sortie du nouveau film Street Fighter éveille intensément la curiosité, et réveille l'espoir de voir un long-métrage réussi sur le jeu vidéo culte de combat Capcom.
Rendez-vous en 2026
Après le légendaire et globalement détesté Street Fighter de 1994 avec Jean-Claude Van Damme, il y a eu Street Fighter : La légende de Chun-Liavec Kristin Kreuk en 2009, sorti directement en vidéo en France. Celui-ci a fait encore pire que son prédécesseur, qui avait au moins eu le mérite de rapporter du billet vert (99,4 millions de dollars de recettes contre un budget de 35 millions de dollars). Échec financier, le film de 2009 est aussi jugé nul à l'unanimité, avec un score de 3% en note critique sur Rotten Tomatoes, ce qui ferait presque apprécier les 11% de Street Fighter.
Sony Pictures, en dépit de ces deux premiers films à oublier, ne compte cependant pas laisser tomber l'univers Street Fighter, et prépare donc avec les studios Legendary Pictures et Capcom un nouveau long-métrage. Jusque-là, les jumeaux australiens Danny et Michael Philippou (La Main) étaient annoncés à la réalisation mais viennent tout récemment de se retirer du projet pour travailler sur leur nouveau film d'horreur du côté d'A24. L'annonce officielle de la date de sortie de Street Fighter suggère donc qu'un réalisateur ou une réalisatrice doit être très proche d'officialiser sa participation.
Street Fighter est daté dans les salles américaines pour le 20 mars 2026. En plus de trouver quelqu'un pour réaliser le film, son casting reste aussi à constituer.
Suicide Squad Isekai : un nouvel anime tiré des comics DC
Harley Quinn a toujours été un personnage très populaire auprès des fans de comics. Mais depuis que Margot Robbie l'a incarnée dans l'univers cinématographique de DC, l'anti-héroïne a pris une autre dimension. En plus d'avoir eu un film quasi-solo avec Birds of Prey (2020), Harley Quinn était de la partie de The Suicide Squad (2021). Un film de James Gunn qui a permis de présenter au grand public de nouveaux personnages de l'univers DC, comme King Shark ou Peacemaker. Si vous avez apprécié la proposition et ces personnages, on ne peut que vous conseiller de vous pencher désormais sur Suicide Squad Isekai, un anime japonais qui en reprend les mêmes principes. Voici le synopsis officiel de la série :
Dans une ville de Gotham City rongée par le crime, Amanda Waller, à la tête de l'A.R.G.U.S, vient d'assembler une équipe pour une nouvelle mission. Elle comprend Harley Quinn, Deadshot, Peacemaker, King Shark et Clayface. Ces supervilains sont envoyés dans un autre monde étrange connecté au notre par un portail. Un monde de sorcellerie et de chevaliers où les orcs piétinent la terre, et dominé par les dragons - un "ISEKAI" ! Les membres de la Suicide Squad ne peuvent ni fuir ou se cacher du fait des explosifs plantés dans leur cou, et échouer leur mission les enverrait aussitôt en enfer. Harley Quinn et son équipe peuvent-ils conquérir ce royaume ?
L'épisode 1 est disponible gratuitement !
Produit par Warner Bros. Japon et Wit Studio, Suicide Squad Isekai a droit à deux diffuseurs en France. La série est en effet disponible sur Max, la nouvelle plateforme de Warner Discovery, ainsi que sur ADN, le service de streaming spécialisé dans les animes. Les trois premiers épisodes ont été mis en ligne dès ce 27 juin. Puis, un nouvel épisode sera proposé chaque semaine. La saison 1 en contera dix, et pour se faire une meilleure idée de ce nouveau programme, ADN propose de découvrir gratuitement l'épisode 1.
On y retrouve le Joker en plein casse avec Harley Quinn, avant que celle-ci ne soit arrêtée par A.R.G.U.S, ainsi que Amanda Waller responsable de l'ouverture d'un portail qui mènera la Suicide Squad vers un autre monde. La rencontre entre l'ambiance DC, la fantasy et le style d'animation japonaise est en tout cas intéressant et mérite donc qu'on s'attarde sur Suicide Squad Isekai.
Sorti en 2021 au cinéma, le film 5ème Set réalisé par Quentin Reynaud met en scène Alex Lutz dans le rôle d'un joueur de tennis, Thomas Edison, qui tente un dernier retour à Roland-Garros.
Âgé de presque 38 ans, Thomas, dont la carrière n'a jamais réellement décollé, est devenu entraîneur de tennis. Dix-sept ans auparavant, il était considéré comme l'un des plus grands espoirs du tennis, mais une défaite traumatisante en demi-finale a marqué le début de sa descente dans les profondeurs du classement mondial. Aujourd'hui, Thomas se prépare pour ce qui pourrait être son dernier tournoi à Roland-Garros. Déterminé à ne pas abdiquer, il se lance dans un ultime combat pour sauver son honneur, malgré les doutes et les obstacles qui se dressent sur son chemin, notamment la désapprobation de ses proches.
5ème Set a été tourné en partie dans l'enceinte de Roland-Garros à Paris, sur le court n°14. Il s'agit du premier long-métrage tourné dans la mythique enceinte de tennis, les équipes y ont posé leurs valises durant quatre semaines pour les prises de vues.
Un échec au cinéma à rattraper sur Netflix France
Côté préparation, Alex Lutz s'est entraîné intensivement avec un coach pour parfaire son tennis. Il avait déclaré au moment de la sortie du film :
J’ai d’abord très très mal joué, puis mal joué. Je ne joue toujours pas bien, mais il y a un mieux (rire). Cette maladresse n’était pas grave car pour les séquences de matches ou d’entraînement, le rôle demandait essentiellement de savoir mettre, avec le maximum de naturel, trois balles dans sa poche, ou de les faire rebondir par terre, ou d’amorcer un service vraisemblable.
Malheureusement, 5ème Set n'est pas parvenu à trouver son public lors de sa sortie au cinéma. Ainsi, le film avec Alex Lutz n'a attiré que 52 808 spectateurs dans les salles. Un gros échec commercial, qui va peut-être pouvoir être rattrapé puisque le film est disponible depuis quelques heures sur Netflix en France.
C'est à partir du 28 juin 2024 qu'on pourra découvrir dans les salles Le Comte de Monte-Cristo, grand film d'aventures adapté du célèbre roman d'Alexandre Dumas. Dans ce film, réalisé par Alexandre de La Patellière et Matthieu Delaporte, Pierre Niney tient le rôle-titre, celui d'Edmond Dantès, jeune marin trahi et injustement emprisonné qui, après 14 ans de détention dans une geôle du château d'If, va mettre la main sur un trésor. Devenu riche et puissant, il va alors se venger de tous ceux qui l'ont fait emprisonner.
Pour ceux qui ne seraient pas familiers de l'oeuvre d'Alexandre Dumas, la question se pose : Le Comte de Monte-Cristo est-il la suite ou entretient-il un rapport avec Les Trois Mousquetaires ? En d'autres termes, quels liens existent entre ce nouveau film et le diptyque sorti en 2023, Les Trois Mousquetaires : D'Artagnan et Les Trois Mousquetaires : Milady?
La même équipe aux commandes
Que le public se rassure, nul besoin d'avoir vu Les Trois Mousquetaires pour découvrir Le Comte de Monte-Cristo. Si les deux histoires sont créées par le même auteur - et paraissent d'ailleurs toutes les deux à partir de 1844 -, et qu'Alexandre Dumas y développe un même esprit et un même style, les deux histoires sont séparées de presque 200 ans. Les personnages ne sont donc pas les mêmes et les deux récits sont parfaitement autonomes.
Néanmoins, il existe une très forte cohérence entre ces trois films, puisque ce sont les mêmes équipes qui les ont fabriqués, et qu'on retrouve même un acteur au casting des trois. En effet, Alexandre de La Patellière et Matthieu Delaporte, scénaristes du diptyque Les Trois Mousquetaires, ont écrit et réaliséLe Comte de Monte-Cristo (Martin Bourboulon ayant réalisé les deux films Les Trois Mousquetaires).
Les réalisateurs sont entourés pour Le Comte de Monte-Cristo par les mêmes talents qui ont travaillé sur le diptyque de 2023. Ainsi, on retrouve Patrick Schmitt à la direction artistique, Stéphane Taillasson aux décors, Thierry Delettre aux costumes et Nicolas Bolduc à la photographie. Comme pour Les Trois Mousquetaires, le montage est confié à Célia Lafitedupont, et le son à David Rit. Seul changement notable, la musique précédemment confiée à Guillaume Roussel est composée par Jérôme Rebotier.
Un acteur est présent dans les trois films, Patrick Mille, qui incarne le comte de Chalais dans les films Les Trois Mousquetaires et le baron Danglars dans Le Comte de Monte-Cristo.
La franchise de "super-héros" français se développe
Comme l'avait indiqué au Figaro en 2020 Dimitri Rassam, producteur de ces adaptations d'Alexandre Dumas, l'ambition des ces films est "comme une réponse aux franchises américaines". Ainsi, si Le Comte de Monte-Cristo n'entretient aucun lien dans son histoire avec celle des films Les Trois Mousquetaires, c'est bien avec la même ambition et dans un même univers artistique qu'ils sont produits.
Alors, si ce nouveau film n'est pas la suite des deux précédents, il est cependant la suite du développement de cet univers. Un univers qui devrait prochainement accueillir d'autres films, puisque la fin de Les Trois Mousquetaires : Milady suggère fortement que cette histoire n'est pas du tout terminée...
Annoncée il y a déjà plusieurs années, la série Harry Potter arrivera sur la plateforme Max en 2026. Très attendue par les fans de la saga, elle marquera le retour du célèbre sorcier à lunettes sur les écrans, quinze ans après la sortie du dernier film au cinéma. Cette nouvelle adaptation promet d'explorer encore plus en profondeur l'univers magique de J.K. Rowling, puisque la série comptera sept saisons, chacune étant consacrée à un roman et suivra donc Harry à travers toute sa scolarité à Poudlard. J.K. Rowling supervise le projet, et en est la productrice exécutive. Une manière pour elle de garder un œil sur la cohérence du projet par rapport à son œuvre si appréciée à travers le monde.
Ce mercredi 26 juin, l'auteure et productrice, a annoncé que la série avançait enfin avec la nomination de deux figures clés de son équipe créative. Ainsi, Francesca Gardiner a été désignée comme showrunneuse et scénariste, tandis que Mark Mylod réalisera plusieurs épisodes. Tous deux ont remporté des récompenses pour leur travail sur la série Succession.
Je suis ravie de vous annoncer notre réalisateur et notre scénariste. Leur passion pour #HarryPotter est palpable, et après avoir lu le scénario pilote de Francesca et entendu la vision de Mark, je suis convaincue que la série surpassera toutes les attentes.
Un casting très attendu
Le casting de la série Harry Potter est l'un des aspects les plus attendus de la production. Les rôles iconiques de Harry, Hermione et Ron, initialement incarnés par Daniel Radcliffe, Emma Watson et Rupert Grint au cinéma, devront trouver de nouveaux visages capables de captiver une nouvelle génération de fans. Les producteurs sont conscients du défi et promettent de choisir des acteurs qui apporteront "une fraîcheur et une profondeur renouvelées aux personnages".
Ce nouveau casting devra non seulement s'aligner avec les attentes élevées des fans, mais aussi redéfinir ces rôles pour une nouvelle ère qui devrait durer plusieurs années. Comme pour les films, ces nouveaux interprètes débuteront en étant enfants, et le public les verra grandir à l'écran au fil des saisons.
En 2015, Maïwenn réalise son quatrième long-métrage, Mon roi. Quatre ans après Polisse, son plus grand succès avec 2,4 millions de spectateurs et une pluie de récompenses, dont le Prix du jury du Festival de Cannes 2011, la réalisatrice est attendue au tournant. Si Polisse l'a fait changer de dimension, elle est sortie épuisée de son tournage, comme elle l'avait raconté à Première, notamment éreintée par des dynamiques parfois antagonistes de groupes. Réalisatrice jusque-là d'un cinéma à la tendance chorale, elle décide alors avec Mon roi de raconter l'histoire plus intime d'une femme prise dans une relation toxique.
Tony (Emmanuelle Bercot) est admise dans un centre de rééducation après une grave chute de ski. Dépendante du personnel médical et des antidouleurs, elle prend le temps de se remémorer l’histoire tumultueuse qu’elle a vécue avec Georgio (Vincent Cassel). Pourquoi se sont-ils aimés ? Qui est réellement l’homme qu’elle a adoré ? Comment a-t-elle pu se soumettre à cette passion étouffante et destructrice ?
Une actrice américaine sollicitée
Pour incarner Tony, héroïne de Mon roi et son double de cinéma - Maïwenn s'est inspiré d'une de ses relations amoureuses pour le scénario -, la cinéaste choisit Emmanuelle Bercot. L'actrice et réalisatrice apparaissant dans Polisse et ayant co-signé son scénario, les deux femmes s'entendent travaillent bien ensemble. La performance d'Emmanuelle Bercot est saluée à l'unanimité, et elle obtient le Prix d'interprétation féminine au Festival de Cannes 2015. Néanmoins, celle-ci n'était pas le premier choix de Maïwenn pour incarner Tony. La réalisatrice avait en effet contacté une star américaine, qui lui avait dit "oui".
À un moment, j’ai pensé faire le film en anglais avec Jennifer Connelly. Je l’adore, j’ai vu tous ses films. Elle avait dit oui, mais il y avait alors dans le script beaucoup plus d’histoires de procès, de scènes où on voyait la carrière d’avocate de Tony démarrer... La loi américaine est foutue de telle façon que ça ne marchait plus si je tournais le film à New York. Il a donc fallu convaincre Emmanuelle. Elle me disait : "Pourquoi moi ? Mais je suis pas belle, je suis pas si, pas ça." Plus elle disait ça et plus je la voulais parce que c’est justement l’histoire d’une fille qui ne comprend pas pourquoi elle est choisie par un séducteur qui pourrait avoir n’importe quelle nana.
À peine le temps d'encaisser Pauvres créatures, couronné notamment du Lion d'or à la Mostra de Venise 2023 et de quatre Oscars dont celui de la Meilleure actrice pour Emma Stone, que voici Yorgos Lanthimos de retour au Festival de Cannes 2024 avec Kinds of Kindness, porté notamment par son actrice fétiche Emma Stone.
Yorgos Lanthimos est un cinéaste de l'inadéquation et de la souffrance, et de leurs limites. Si dans Pauvres créatures, il repoussait sur ces thèmes ses limites formelles et visuelles en exploitant plusieurs genres de cinéma avec une direction artistique très ambitieuse, il prend le contrepied de cet élan dans Kinds of Kindness, en offrant trois histoires distinctes dans une grande tragi-comédie grinçante, cruelle et essentiellement réaliste, trois segments de cinéma noir dont la ligne générale comique dévie progressivement vers le tragique.
Trois films en un
Le film, dont le titre pourrait être traduit par Traité sur différentes bienveillances, est une comédie humaine contemporaine, déroulée à trois endroits des États-Unis. Le casting reste le même pour les trois histoires, mais les personnages ne sont jamais les mêmes. Willem Dafoe, Jesse Plemons, Margaret Qualley, Emma Stone et Hong Chau forment le casting principal des trois histoires.
Dans la première, un architecte, incarné par Jesse Plemons, victime d'une monumentale emprise d'un pervers narcissique manipulateur (Willem Dafoe) finit par commettre l'irréparable pour retrouver les bonnes grâces de son prédateur. Dans la seconde, un policier, toujours Jesse Plemons, retrouve sa femme (Emma Stone) après que celle-ci, océanographe, a survécu au naufrage meurtrier de son bateau. Seulement, il est convaincu que ce n'est pas sa femme, mais une autre. Dans cette histoire, le fantastique joue un rôle. Dans la troisième et dernière histoire, une femme (Emma Stone) , membre d'une étrange secte, cherche sur ordre de celle-ci la femme qui a le pouvoir de ressusciter les morts, et qu'elle a vue en rêve. Ici, le fantastique prend de l'importance.
Le duo Yorgos Lanthimos - Emma Stone sans limites
Kinds of Kindness est d'abord très drôle, malin et parfaitement abouti dans ses situations comiques, avant que le rire ne passe par le pur humour noir, pour finir sur une autre couleur indéfinissable. Dans des intérieurs soignés, des bureaux et des maisons on ne peut plus réalistes, c'est à un délice de direction d'acteurs, d'écriture et de performances de brillants comédiens qu'on assiste, avec un montage sec et une photographie froide.
Dans ce film, Yorgos Lanthimos semble cligner de l'oeil vers son confrère Ruben Östlund, avec sa description acerbe d'une société humaine où les individus se laissent aller, de gré ou de force, à leurs pires penchants. Comme son confrère suédois, le réalisateur grec aime repousser les limites et exploser la morale commune. Mais il le fait ici dans une mesure qui devient troublante.
Dans Kinds of Kindness, Emma Stone livre une triple performance remarquable. L'actrice américaine fait partie des meilleures de sa génération et a trouvé chez Yorgos Lanthimos le cinéma qui en fera peut-être la meilleure. Leur collaboration est une réussite éclatante depuis La Favorite, et celle-ci prend une intensité nouvelle dans ce nouveau film.
Les trois personnages qu'elle incarne ont tous un antagonisme très fort, et le payent. Dans cette comédie, il est à noter que ce qui arrive à l'actrice n'appartient pas au registre comique du film. Ce sont plutôt Jesse Plemons et Willem Dafoe qui tiennent cette ligne, quand Emma Stone et Margaret Qualley celle de la tragédie qui va finir par submerger Kinds of Kindness. Et dans des proportions qui peuvent interroger. En effet, humiliées, dénudées, blessées, auto-assassinées, on peut voir Emma Stone et Margaret dans la sextape d'un plan à quatre, puis l'une se prélevant elle-même un organe, et encore l'autre plongeant tête la première dans une piscine vide. Sans s'y complaire graphiquement, il y a une perversité évidente et monumentale dans Kinds of Kindness, qui en fait un film aussi réussi qu'abrasif.
Une roue libre dentée
Quelques motifs reviennent. Les pieds notamment. Le couple aussi. Kinds of Kindness est composé de trois histoires distinctes, mais une cohérence et une idée commencent à se révéler, sans se donner entièrement. On peut notamment, sur cette idée, observer que le casting masculin et féminin évolue en sens contraire.
D'abord Jesse Plemons et Willem Dafoe occupent le devant de la scène, puis la seconde histoire égalise, avant que la dernière n'ait quasiment plus de vues que celles d'Emma Stone, Margaret Qualley et Hong Chung. Et à cette évolution correspond la mue du comique et du violent en tragique et en morbide. C'est brillant et c'est meilleur même que Pauvres créatures parce que plus fin, plus sincère, plus agressif, plus noir. Excellente comédie d'une terrible noirceur qui va enivrer autant que révolter, Kinds of Kindness fait partie des meilleurs films de Yorgos Lanthimos.
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